Mucha sangre y poco drama para una venganza...

 “Oldboy: Días de Venganza”, dirigida por Spike Lee, es una película de potente argumento poco aprovechado, que derrama mucha sangre para justificarlo

Para aquellos que desconocen al director de esta película, es bueno aclararles que Spike Lee es uno de los selectos y pocos directores de la escuela “indie” que ha entregado Hollywood a lo largo de su historia, poco reconocido dentro del espectáculo cinematográfico. Su recorrido filmográfico ha juntado algunos éxitos taquilleros como “Malcom X” (en el que también actúa) y el thriller de acción “El Plan Perfecto”, protagonizado por Denzel Washington y Jodie Foster,  que es tal vez su película más conocida. “Oldboy: Días de Venganza”, el último film del director, es una remake de la segunda parte del manga surcoreano “Trilogía de la Venganza”, que se denomina de igual forma  y estuvo dirigida por Park Chan-Wook. Spike Lee no logra darle el golpe justo a una historia de venganza que se conforma haciendo negocio con la violencia excedida sin un argumento fuerte que acompañe.

La historia narra la vida de Joshep Doucett (Josh Brolin), un alcohólico ejecutivo de una empresa de publicidades que no sólo es un desastre en su vida laboral, sino que acarrea los conflictos de divorcio con su ex mujer, con la que comparte a Mía, su hija de 3 años. En medio de su desastrosa y vergonzosa vida, luego de una noche de borrachera, es extrañamente secuestrado. Sin saber por qué, pasa los próximos 20 años solo en una habitación con una cama, baño, televisión y su única relación con el exterior es cuando le pasan comida por debajo de la puerta. Su vida allí dentro se convierte en un martirio cuando por televisión puede ver que es el culpable de la violación y asesinato de su mujer, pocos días después a cuando fue secuestrado. Luego de cumplir su condena, es liberado, y está dispuesto a ver correr sangre para encontrar al culpable de su sufrimiento.

El enigmático secuestro a Joseph Dusset y las razones de su encierro torturador durante dos décadas son el hecho argumentativo más potente y que le permite al espectador al menos llegar al final de la película. La fuerza de la intriga y la intrincada historia del personaje nos invita a ilusionarnos con una película que puedo haber resultado más interesante de lo que en realidad es.

El error de Spike Lee está en que no logra darle forma a su contenido y a raíz de ello nos encontramos con una narración vacía de drama, con mucha acción sangrienta que trata de saciar la sed de venganza del personaje. Los 105 minutos de la película no son aburridos, pero sí decepcionantes. La trama es misteriosa y combina mucha convulsión y agilidad por momentos, pero termina cayendo en un lamentable giro dramático que no compensa para nada los litros de sangre que la pantalla refleja. La venganza furiosa y desatada por Joshep es exhibida en impactantes escenas de acción con demasiado morbo, típico del cine de Tarantino, pero que poco se acerca al argumento del prestigioso director de cine, recordado por su excepcional trabajo en los dos volúmenes de la sangrienta “Kill Bill”. La sangre sobra. La tortura de sus víctimas son los elementos más impactantes en lo visual, logradas con aceptables peleas clásicas de acción, pero que no alcanzan para rematar una historia dramática que por su argumento podría haber sido mas profunda

Las historias de venganza en el cine son incontables y sin duda lo primero que recuerdo, como dije anteriormente, es a la sangrienta Uma Thurman en su mítico papel en “Kill Bill”, pero en realidad a “Oldboy” le faltó mucho para acercarse a la magnífica película de Tarantino. Lee no logra que su personaje contagie el deseo asesino al espectador a través de la historia y las razones que lo llevan al impulso vengador, como si sucede con Beatrix Kiddo y su ansiosa sed de sangre a aquellos que arruinaron su vida. El principal punto es que Tarantino derrama sangre (mucha) pero ofreciendo un contenido magnifico de fondo, a kilómetros de la violencia de pocos motivos que presenta Lee.

Si hay algo muy positivo para marcar, es para mí la correcta actuación de Brolin en su papel como el sufrido Joseph Dusset. Recordado como fetiche actoral de los hermanos Coen, en una de sus tantas historias, típicas del cine negro como “El Gran Lebowsky”, en esta oportunidad nos ofrece un despliegue físico excepcional cuando debe poner el cuerpo en cada escena de acción, a pesar de que ya tiene bastantes años para ello. Su postura dramática y su papel de “duro” es también para destacar

En fin, si se quiere pasar el rato es recomendable. Si se quiere ver algo bueno, la historia surcoreana en la que está basada la película puede resultar más interesante.

Algunas reflexiones y rumbos nuevos...

Bueno, regreso a publicar algo después de tres días de la última entrada dedicada a la reciente película de los hermanos Coen “Inside Llewyn Davies”. No tengo bien definido cuales son los motivos de esta entrada, pero me senté a reflexionar un poco sobre las riendas que quiero tomar con respecto a este espacio y por eso he tardado en regresar a la escritura de algo nuevo, además de que otros tiempos y razones particulares no me han permitido que pueda dedicarle minutos serios a esto que considero un campo reflexivo. Como dije anteriormente, las últimas dos publicaciones están dedicadas a criticas/comentarios sobre dos films que hace poco vi y tanto me gustaron que casi me sentí obligado a escribir sobre ellas, sobre todo por mi necesidad imperiosa de expresar una opinión acerca de lo que me había parecido, y de paso recomendarlas absolutamente. Comento esto, ya que quiero retomar el punto de vista que había definido en un principio sobre este blog y la postura que pretendía tomar en cuanto al objetivo de mis publicaciones. Mi foco estaba en otorgar un espacio que invite al PENSAMIENTO, LECTURA, ANALISIS Y REFLEXION del cine, tomando ciertas películas, directores e historias que puedan dar sostén a ese objetivo. Me carcome la cabeza la idea de implementar algo nuevo que pueda encontrar otros caminos alternativos y circuitos diferentes que piensen el cine de una forma distinta a los millones sitios especializados, revistas y medios informativos que se multiplican a lo largo y ancho de la red cultural de Internet.

No me preocupa tener pocos lectores, ni tampoco pretendo conformar una revolución del pensamiento cinematográfico, pero si desde mi humilde posición pretendo aportar algo nuevo que pueda llamar la atención de algunos apasionados y locos del mismo palo, además de seguir enamorándome cada vez más del séptimo arte.

Todo esto lo pude haber dicho al principio, pero hasta este momento no se me había ocurrido reflexionar así, por eso voy a tomar estas palabras para ajustar mi perfil y seguir una línea de pensamiento que aunque no conforme o guste me basta con que me satisfaga a mi mismo.

A aquellos que han tenido la oportunidad de ir leyendo lo que escribo podrán identificar que tengo una clara influencia de raíces cinéfilas de la escuela nortemericana, pero que me parece mejor nombrarla como escuela indi de Hollywood. Admito que mucho de lo que consumo proviene de producciones americanas y que no he experimentado otros cines como el latinoamericano, argentino u de otras ramas culturales. Pero quiero aclarar que ello no me hace un partidario del universo comercial y de la avasalladora industria cultural que subordina a otras manifestaciones artísticas.

Todo este preámbulo es necesario para expresar que mis claras intenciones están en demostrar el costado artístico de los autorismos, proponer lecturas o debates desde esas miradas de autor e invitar a todos a reflexionar sobre las temáticas que un film puede disparar sea del origen que sea, buscando la forma de liberarse de los modelos prejuiciosos que señalan “esto es así, no lo veas. Y lo otro así, entonces míralo.

En conclusión para que este discurso ya no se torne aburrido y el lector piense que el que escribe es un bohemio que se pierde en sus pensamientos, voy a finalizar prometiendo que seguiré algunas pautas de forma/contenido que espero que resulten originales y puedan cumplir con lo tanto que vengo diciendo en párrafos anteriores. Continuare con críticas y comentarios sobre películas que vaya viendo y desde ahora me comprometo a realizar un recorrido profundo sobre el pensamiento de ciertas películas, tomando directores específicos y narrando las influencias que han tenido sobre mí y el cine universal. Pero bueno eso es una sorpresa y es prácticamente lo que anhelo que sea el objetivo de este blog, buscando la reflexión y el PELIPENSAMIENTO.

Los Coen se suben al escenario...

Los hermanos Coen vuelven al ruedo y esta vez mostrando un costado diferente en sus historias: La música. Narran la desdichada historia de un cantante de folk que vaga por las calles de Nueva York, tratando de encontrarle un sentido a su vida

Si hablamos de cine de autor, hablamos de la dupla de directores más reconocida por pertenecer a esa línea de cineastas modernos. Los hermanos Coen, se han ubicado en el palco artístico de Hollywood merecidamente, con una vasta filmografía que no solo justifica su prestigio, sino que brilla en el firmamento cinéfilo, basado en la construcción de un estilo particular.  Para aquellos que no saben o tienen poca referencia con respecto a los directores Joel David Coen y Ethan Jesse Coen, hay que aclarar que hablamos de dos genios del cine independiente moderno. El trabajo de los hermanos Coen, desde sus inicios han acarreado con aplausos y éxitos la mayoría de sus películas, logrando cuatro veces el Oscar. La autoría como firma, ha traído a pantalla la marca del cine negro combinado con los western y la comedia, en donde se han glorificado con películas como “El Gran Lewobski” (la mejor sin dudas), “Sin lugar para los débiles”, “El hombre que nunca estuvo allí” y “Fargo”, entre otras obras maestras. El guion, dirección y producción son las áreas que se reparten normalmente, pero más allá de la estructura formal de trabajo, ambos han revolucionado el cine y se han consagrados como excepcionales artistas de la ficción.

Los Coen han recorrido historias y géneros de diferente tono a lo largo de su trayectoria cinematográfica, y en esta oportunidad buscan alejarse del clásico western y la comedia negra propia de su estilo, para ubicar a “Inside Llewin Davis” como la representación profunda de los mecanismos e historias del contradictorio mundo de la música, especialmente el de la música folk. El nuevo film de los hermanos está basado parcialmente en las memorias “The Mayor of McDougal Street” del músico Dave Van Rock. La correcta actuación de Oscar Isaac y el acompañamiento actoral de Carrey Mulligan y Justin Timberlake, redondean un argumento dramático de profunda reflexión y pensamiento.

El relato se centra en la desastrosa y enredada vida Llewyn Davies, un cantante popular de música folk que vaga por los bares de Nueva York en 1961. Luego del suicidio de su compañero de dúo se convierte en un solista sufrido que busca encontrarse a sí mismo con lo único que encuentra como salvación en su vida: La música. El trágico hecho de la muerte de su compañero, lo hunde en una profunda frustración que lo desorienta totalmente y lo obliga a vagabundear por las calles frías de Nueva York con su guitarra en la espalda, rogando sillones de las casas de sus amigos para pasar la noche. Sin dinero, ni proyectos, lo único que tiene es la esperanza de éxito de su último disco “Inside Llewin Davies” que exhibe como solista y nadie ha reconocido aun. A la espera de ese utópico sueño de éxito musical, se conforma con algunas monedas y cálidos aplausos que consigue cantando en el precario bar de su amigo Pappi Corsiatto. No solo su fracaso musical lo perturba, sino que el enfrentamiento a un embarazo no deseado con la novia de su amigo y el rechazo de su hermana como única familia, se suma a una vida llena de problemas, donde la paradójica compañera y culpable de sufrimientos, parece ser la música.

La música como máximo exponente argumentativo, es la forma armónica precisa que enaltece a la película de los Coen. El recurso musical no solo está puesto como una herramienta que acompaña la narración, sino que es el centro de la misma narración. Este es el objetivo más logrado del film. La vida dramática y sin consuelo del protagonista se encuentra con la más precisa radiografía de lo que significa la música como un mundo de exitosos y excluidos. Es sabido que la gloria de unos pocos es la marginalidad de otros. La instalación subliminal de un debate eterno que pone a la música en el medio del abismo y la lucha entre lo comercial y lo artístico, representa una proyección crítica hacia la sociedad moderna que decidido deslegitimar la producción artística en pos de intereses mercantiles de algunos pocos. El folk como elemento artístico rechazado y subordinado a algunas minorías subalternas por las industrias de la música comercial, es el ejemplo más claro de esta dicotomía que la vida de Llewys representa.

Actoralmente, los papeles son correctos y buenos, valorando principalmente a Oscar Isaac en un desafío riesgoso de aparecer en todas las escenas con un despliegue aceptable. Agregar la mínima aparición de Timberlake como un claro guiño a esa relación reflexiva planteada por la película, donde se ve el contrapunto de aquellos exitosos en la música que miran desde arriba a aquellos que sueñan con llegar algún día a concretar sus ansiados sueños de cantante.

El guion es otro punto positivo que siempre ha figurado como marca registrada de la autoría de los hermanos, aunque en algunos puntos de este film resulta denso y un poco aburrido que al espectador poco entusiasmado puede provocarle algún bostezo. Más allá de eso, cada minuto y cada escena son de una profunda reflexión y placer, donde lo primero que se nos tiene que venir a la cabeza es que a pesar de que nos convenza poco el argumento es necesario ser paciente y esperar, por el solo hecho de que los Coen son garantía de buen cine.

Me parece que a este día ya lo viví...

La nueva película de Tom Cruise “Al filo del mañana”, pone en pantalla un argumento original, intenso y dinámico sobre un soldado que cada vez que muere vuelve a vivir su ultimo día, una y otra vez

 “Al filo del mañana”, dirigida por Doug Liman y protagonizada por Tom Cruise , llego a las pantallas de Córdoba para ofrecernos de lo mejor que tiene la ciencia-ficción.  

El director ha recorrido el mundo filmográfico de Hollywood sin muchas penas ni glorias. Algunas películas reconocidas como “Sr y Sra Smith” o “Jumper”, acarrean una trayectoria de películas de poco argumento y un tanto pasajeras que se han quedado en el olvido.  Sin embargo, con “Al filo del mañana” ha conseguido explotar al máximo el género de ciencia-ficción, potenciado por un argumento sensacional y atrapante, bien narrado. La película está basada en la novela “All you nedd is kill” de Hiro Sakarakuza y llega a la pantalla del cine adaptada en su guion por Christopher McQuarrie y acompañado de las actuaciones sublimes de Tom Cruise y Emily Blunt.

¿Qué harías si tuvieras la posibilidad de repetir un solo día de tu vida? Esta pregunta es la que gira en torno al oficial Bill Cage cuando casualmente se encuentra en un bucle temporal sin salida que lo hace repetir constantemente su día. La historia se centra en una sociedad futurista distopica donde la invasión de criaturas extraterrestres (Mimics) se presenta como una amenaza para la existencia de toda la humanidad. El oficial Bill Cage (Tom Cruise) que dirige la guerra desde la oficina de las Fuerzas Armadas  y prácticamente no ha participado nunca en una batalla, es sorprendido bajo la orden de superiores que lo mandan a ponerse el uniforme de soldado y luchar en el frente europeo que está siendo destruido. Su vida cambia por completo cuando es mandado a combatir y se aterra al saber que su único futuro en guerra es la muerte.  Emily Blunt interpreta al personaje Rita Varsvasky, denominada la “Perra nacida para matar”, donde figura como la heroína de la historia, ubicada como la única que ha conquistado las batallas más importantes en la disputa por la permanencia en la Tierra.  En el campo de batalla, el soldado Bill Cage es atacado y asesinado por un extraño alienígena, pero que no ha terminado con él, sino que lo ha encerrado en una convulsiva jaula temporal, donde cada vez que muera su ultimo día se repetiría.

En ciertos casos el recurso de la repetición, en su aplicación excesiva resulta denso, aburrido y se destaca por un vacío de contenido. Sin embargo, si la construcción reiterativa es narrada de una forma correcta, donde el hilo argumentativo va potenciándose y avanzando a pesar de la sucesión de imágenes iguales, el producto puede resultar muy bueno. Este es la característica de “Al filo del mañana”: Algo nuevo se va dando dentro de lo mismo.  El dinamismo y la velocidad que imprime esta narrativa particular toma los elementos fecundos de la lógica de un videojuego y de esta forma la película no resulta densa, aunque si enredada y un poco compleja. El espectador puede sentirse perdido en ese laberinto temporal que el personaje vive, pero no es un punto bajo para el film, sino que por lo contrario está logrando que el público se meta en pantalla. La ciencia-ficción, con los años  se ha ido deteriorando por el imperio del exceso visual y la fascinación de los efectos subordinando al contenido y llevando a este cine más cerca de lo mercantil que lo artístico. “Al filo del mañana” se planta como un film capaz de desafiar ese paradigma posmoderno, combinando la interacción de efectos visuales encandilantes,  con un sólido hilo narrativo que mantiene su fuerza hasta el final.

En cuanto a las actuaciones, esta de más decir que Tom Cruise no ha dejado de brillar en pantalla con un despliegue más que correcto. A igual que “La guerra de los mundos” y “Oblivion”, el reconocido actor norteamericano parece elegir a dedo aquellas películas destinadas a ser un éxito comercial y artístico. Hasta el momento no ha fallado casi nunca. Es necesario destacar la actuación aceptable de Emily Blunt, que no solo acompaña perfectamente a Cruise, sino que también se impone con firmeza a las escenas bélicas y de acción, a veces un tanto ajenas al género femenino, pero que logra resolver con mucho talento.

El film dirigido por Doug Liman no presenta algo que ya no hayamos visto antes sobre las visiones futuristas que recaen en invasiones alienígenas, pero si podemos decir que ha reconstruido el género a base de un guion original y que a diferencia del siempre  valeroso y ultra poderoso soldado norteamericano que salva a la humanidad de su inminente caída, esta vez el poder si es del país del norte pero destaca a la mujer como la dueña de ese poder bélico mundial. Algo novedoso e interesante que me gusto destacar.

“Al filo del mañana” nos propone viajar al presente, una dimensión que a veces solemos pasar desapercibido siempre tan preocupados por aquello que paso o nos podrá pasar el día de mañana. A veces el hoy es más importante.

Acá les dejo los trailers:

10 películas, una misma pasión...

En la anterior entrada había especificado que marcaría todas aquellas películas que habían signado mi vida desde mi ingreso al mundo del cine con la magia del universo de Disney. Mi sensación nostálgica profunda hacia las piezas artísticas de la infancia me hicieron pensar que fue mejor dedicarle un espacio particular a aquellos imborrables recuerdos y en este segmento dedicarme a completar las películas que definen mi biografía fílmica favorita. Tengo que agregar que estos films no solo lograron enamorarme del cine, sino que se convirtieron en mis musas inspiradoras para escribir, al igual que la genialidad expresada de sus respectivos directores, a quien les agradezco haberse dedicado a alimentar este maravilloso arte. Ya con esto, si prometo (suena a discurso político gastado de candidato peronista) dejar un poco de lado la carta de presentación de mi persona y si adentrarme en las dimensiones que exprese en la primer entrada. 

Bien, comenzamos entonces... Decidí realizar un ranking o top ten,( en un estilo más comercial o moderno-mediático de clasificar arte) para categorizar a aquellas obras maestras que considero desde mi punto de vista, lo mejor que he observado del cine hasta hoy, teniendo muy en cuenta también el aporte fundamental de su director en cada caso. Aclaro que la selección está fijada no solo en los buenos argumentos o guiones, sino también en la dirección, actuación y ejecución de la banda sonora, elementos fundamentales para considerar una obra maestra. Esta clasificación podría haber sido más extensa seguramente, y dejaría afuera a muchas pelis que de verdad son genialidades también, pero bueno he decidido ajustarme a este criterio y así será. Cualquiera lector que crea que puede haber otras en este ranking que comente desde ya al final de la entrada.

Show time…

10. Her

 

"Creo que todo el que se enamora es raro. Es una locura. Es como una forma de locura socialmente aceptada"

Amy Adams como Amy en "Her"

-Pelipensamiento

La película dirigida por Spike Jonze es una pieza artististica magestuosa, que no solo cumple con una actuación ejemplar de Joaquin Phoenix, sino que acompaña un guion original con una banda sonora magnifica que le valió nominaciones y premios en los últimos Oscar

9. Psicópata Americano 

Reveladora e impactante actuación de Bale es el mejor calificativo que tengo para esta elección. Bale se catapulta en el estrellato hollywodense a partir de esta faceta psicótica del personaje literario de Patrick Bateman. La música que acompaña sus asesinatos es sencillamente genial.

8. Río místico

Clint Eastowood logra crear su máxima obra maestra y expresión cinematográfica con la enigmatica y dramática historia del "Río Místico". El trió actoral de Sean Connery, Tim Robbins y Kevin Bacon es para aplaudir de pie y lo mejor que he visto hace tiempo largo en pantalla.

7. Matchpoint

Me era imposible dejar afuera alguna de las películas de Woody Allen, y sin lugar a dudas de su basta filmografia  "Matchpoint" es una de las historias mas atrapantes y conmovedoras del director neoyorkino.

Sensacional drama que sorprende al espectador acostumbrado al estilo humorístico del prestigioso director. Scarlett Johansson luce actoralmente también.

6. Taxi Driver 

Martin Scorsese se eleva como un prestigioso director de cine a partir de esta película. "Taxi Driver", considerada una película de culto, inmortaliza al personaje Travis Bickle con su dialogo al espejo diciendo: "Are you talking to me?". El espectacular trabajo de Robert De Niro hace que con Scorsese se forme una dupla con muchos éxitos artísticos.

5. Batman: El caballero de la noche

La trilogía de Christopher Nolan revoluciona al héroe de ciudad Gotica y convierte a esta entrega como la mejor versión de Batman que ha mostrado el cine. "Batman: El Caballero de la Noche", no solo despliega todo el potencial de Bale, sino que permite descubrir al impresionante papel de Heath Leadger en el Guason, que según mi opinión es el villano mejor interpretado de todos los  films que se realizaron de Batman,

4. The Wolf of Wall Street 

Leonardo DiCaprio y Martin Scorsese, son garantía de éxito una vez mas. La dupla reconocida logra su máxima explosión cinematográfica a partir de la frenética y vertiginosa vida de un corredor de bolsa de Wall Street, llamado Jordan Belfort. DiCaprio como jamas antes visto en un trabajo espectacular, ademas de una narración fabulosa y música perfecta que hacen de este film una obra maestra.

3. Los infiltrados

"Los infiltrados" es el mejor thriller policial y de accion que he visto hasta el momento. Una historia intrincada envuelta en traiciones entre la mafia y la policia federeal, son dinamita en el film ganador del Oscar y que por fin hizo justicia al entregarle la estatuilla a mejor director a Martin Scorsese. Aplaudir de pie las actuaciones de Damon, DiCaprio y Nicolson.

2. Perros de la Calle

Quentin Tarantino revoluciona el cine moderno y de autor con su primer película "Perros de la calle". Este inicio marcaría un estilo artístico particular que le valdría de muchos éxitos en su carrera como director. Este film es de una altísimo calidad argumentativa, como también de un sensacional soundtrack, clásico en el mundo del cine.

1.     Pulp Fiction

"Pulp Fiction" es no solo una pieza invaluabale de la cinematografía unviersal, sino que se ha constituido como un producto artístico de culto. Hace 20 años de su estreno sus personajes inmortales intepretados por los magníficos John Travolta, Samuel Jackson y Uma Thurman, conforma la mejor película desde los 90'. Seria irrespetuoso olvidar el sensacional guion de Tarantino, como también la banda sonora inolvidable de cada escena, como por ejemplo la de Travolta y Thurman en el bar.

Bien, este es mi top ten y mi recorrido cinematográfico, que prácticamente me han enamorado de este bello arte y todavía siguen siendo el mejor tesoro que puedo tener en la memoria audiovisual. Espero que puedan compartir y también espero que no, así comentan sobre cual faltaría o sacarían de esta humilde lista personal que he confeccionado.

Un poco de nostalgia y la llave al mundo mágico del cine...

Ya para ir adentrándome un poco mas en este nuevo espacio e invitarlos a compartir la pasión del cine, en este apartado me quiero expresar mostrando un poco como es que surge en mi el amor por el cine, y de alguna forma presentar una biografía fílmica a través de las películas que marcaron mi vida desde chico. Ya después de esto prometo dejar de ser tan tedioso con lo unipersonal y ya enfocarme de lleno en el objetivo real de debatir, discutir y PENSAR EL CINE...

Hace muy poco veía en la televisión (no me acuerdo bien el canal, y en youtube tampoco lo encontré) un pequeño informe, donde planteaban que nuestra memoria infantil o los tiempos pasados, la mayoría de las veces están marcados por el recuerdo audiovisual o de imágenes que la radio o la TV han difundido desde muy chicos. Yo que actualmente tengo 20 años, y aquellos que lean y sientan que su infancia ha sido germinada alrededor de la TV van a entender aun mas lo que estoy diciendo. Prácticamente, todos los que nos detenemos a pensar en la nostalgia de nuestra niñez, es inevitable no recordar la producción animada de Disney y sus mágicos personajes, viniéndonos automáticamente a la cabeza, la imagen del ratón mas famoso del universo.
Desde que empece a escribir y reflexionar sobre como había descubierto ese amor por la ficción o el mundo mágico del cine, no pude dejar de pensar en el primer VHS que tuve en mis manos:

Este vídeo que sale en la imagen, es el un VHS que era parte de una colección de 7 películas sobre las aventuras del Mago Mickey y sus amigos ("Magician Mickey", 1937), que había publicado y sacado a la venta la revista Billiken. La colección se llamaba "Videofantasia" y este particular film traía tres historias que juntaban 21 minutos y ponía en escena fantástica al Pato Donald ("Sales Maritimas"), Pluto ("Pluto desafina") y a Mickey ("El mago Mickey").

Sali a la búsqueda virtual de estas piezas artisticas de la infancia y encontré los tres episodios de los personajes de Disney, abajo están los links:

1. "Magician Mickey" 

Este es el primer capitulo que tiene a Mickey y al Pato Donald en una divertida escena de magia y humor que todos recordaremos seguramente

2. Sales Maritimas

El segundo capitulo es del Pato Donald, en una entretenida historia en el mar. Su sonido característico es universal.

3. Pluto Desafina

Este es ultimo y tercer capitulo de este VHS, donde nos encontramos a Pluto desafina en su intento de conquistar a Fifi.

Espero que les haya venido a la memoria estas imágenes o sentir la nostalgia de aquellos momentos felices de la infancia, donde todos queríamos vivir entre los personajes inmortales del fantástico mundo de Disney.

Seguro habré roto la videocassetera poniendo a cada rato esta película, y sin duda si pudiera volver el tiempo atrás aquí me detendría. Agradezco que este VHS en realidad sea mas que una película y se haya convertido en la puerta al increíble universo de la animación y la ficción que hoy me siguen enamorando.

Tal vez el recuerdo parezca comercial y subordinado a la industria cultural de Hollywood (y que tal vez lo sea), algo que actualmente me perturba un poco ya que a veces siento que esa infancia ha sido avasallada por una obligación moderna del consumo que ha desencantado ese mundo y Disney no es lo que mi niñez ha vivido. Pero como ya dije antes, si el cine es el refugio de los cobardes de esta actualidad, entonces no solo me quiero esconder en él, sino que deseo viajar a un pasado feliz a través de él.

GRACIAS POR COMPARTIR ESTA NOSTALGIA CONMIGO...